jueves, 1 de junio de 2017

Arquitectura Griega

ARTE EGEO

El arte arte Egeo se ha considerado como la introducción del arte griego, aunque sus relaciones con éste no están tan claras.
Es, junto con Mesopotamia y Egipto, el tercer gran foco de cultura anterior a la civilización helenística. 
Tiene a Creta como centro, y se extiende a la propia Grecia, islas del mar Egeo y las costas occidentales de Asia Menor, si bien su influencia se percibe en las culturas de todos los pueblos del Mediterráneo, y se va desde mediados del tercer milenio, hasta medidos del siglo XIII a.C., en el que desaparece súbitamente.
Según la clasificación de Evans, se divide en tres períodos minoicos: el minoico primero, época de formación que se extiende desde el 3400 al 2100 a.C; el minoico medio, del 2100 a 1530 a. C., al que corresponden los palacios de Knossos, Faistos y Hagia-Triada; y el minoico último, de 1580 a 1250 a.C., en que desaparece repentinamente.

En la arquitectura egea podemos considerar dos zonas: la cretense, representada por los palacios, y la continental o micénica, representada por el megarón, las tumbas de corredor con cúpula y las construcciones ciclópeas.

CRETA
Sus descubrimientos se deben principalmente a las excavaciones de Arthur Evans y las misiones francesas e italianas.
Al minoico medio corresponden los tres palacios característicos de la arquitectura cretense: Knosssos, Faistos, Hagia-Triada.

Partes de una columna

               Recreación del palacio de Knossos

Los cretenses adoptaron de Egipto el uso del pilar de sección cuadrada colocado sobre una basa plana, originariamente era de madera, y al hacerse de piedra era más estrecha en la parte inferior (tronco de árbol invertido) a veces sin basa y el capitel con gruesa moldura convexa, sobre el que descansa el ábaco cuadrado. Sobre éste corre el entablamento, con el friso decorado con medallones separados por recuadros.

El palacio estaba formado por complicados conjuntos de construcciones rectangulares, almacenes, dormitorios, salas de recepción, baños, etc., colocados asimétricamente en torno a un gran patio, rectangular, con columnas, casi siempre de madera sobre basas de piedra, y al que comunican directamente las grandes salas de recepción, con cubierta sostenida por gruesos pilares y en las que se sitúan el trono. Los palacios como todos los edificios, están revestidos exteriormente de estuco blanco y al inferior, de estuco blanco y rojo, con pinturas al fresco u ornamentación esculpida.

MICÉNICA
Las excavaciones de Heinrich Schiliemann dieron a conocer el arte micénico, en las ciudades de Troya, Micenas, Tirinto, Orcomenes, etc., ciudades rodeadas por murallas ciclópeas (enormes bloques), en contraposición al arte cretense, en que, basándose el poderío en una thalassocracia (poder del mar), no necesitaban murallas para defender sus ciudades.
En Micenas, aparecen las viviendas (megarón), al parecer origen del templo dórico, formada por una sala rectangular precedida de una antecámara y pórtico.
De esta zona, quizás lo más interesante sean las tumbas de corredor, formadas por un largo corredor que, a través de un pórtico adintelado con frontón agudo, comunica con una bóveda falsa, obtenida por aproximación de hiladas, y otra cámara adyacente, más pequeña, para el cadáver.











CARACTERÍSTICAS DEL ARTE GRIEGO
El arte griego se desarrolla entre los siglos VIII a.C. al II a.C.. influido por corrientes asiáticas, orientales y egeas, que son absorbidas y transformadas por un nueva concepción estética. El "nihil nimis" de Solón representa la más nítida y sucinta expresión del arte griego, clásico por excelencia, representado por la expresión de equilibrio, de la clara función  de los miembros arquitectónicos, la armonía y la belleza en las proporciones; la sutil modulación del plano, la moderación en las actitudes, la clara definición del contorno, el sentido de la medida, en la escultura. Elevan el conjunto hacia un ideal, del gusto estético del hombre mediterráneo occidental.
No obstante, el arte clásico griego se inicia con el aporte de las corrientes jónica y dórica.
La jonia, más femenina y vivaz, aporta la riqueza, el lujo y las proporciones esbeltas; la doria, sobria y robusta, aporta el sentido rígido de la ordenación, la severidad en las proporciones y en la decoración. Ambas han de ser genialmente sintetizadas en la escuela ática.

LOS PERÍODOS
En la arquitectura se distinguen varios períodos: arcaico (siglo VIII a primera mitad del siglo VI), época de iniciación de las primeras formas artísticas. En el siglo V a.C., el período clásico, se alcanza el máximo esplendor. Le sigue el siglo IV a. C. con las innovaciones que desembocan en el período helenístico, que difunde el espíritu helénico por Oriente, y que puede considerarse como acabado con la conquista de Corinto por Roma, en 146 a. C.

LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS
De acuerdo a las formas de las columnas y entablementos se logran distinguir tres órdenes en la arquitectura griega:
DÓRICO: El templo dórico se halla inspirado en el megarón prehelénico, una casa con una simple sala rectangular, abierta por uno de los lados menores y precedida de un vestíbulo con columnas, a la que se le añadió un pórtico en torno.
El el período clásico, el templo dórico se alza sobre una terraza o basamento con una serie de peldaños, llamándose estilobato al último peldaño, cobre el que descansa la columna dórica, sin basa, de fuste estriado (14 a 20 estrías), con aristas vivas y disminuida hacia arriba.
El estrágolo sirve de transición al capitel, formado por collarino, equino y ábaco, cobre el que descansa el entablamento. Este se halla constituido por el arquitrabe, que descansa sobre el ábaco del capitel, friso, dividido en metopas (recuadros aptos para ser decorados) y triglifos, formados por tres bandas vericales, que rematan por su parte inferior en gotas, y cornisa, tercero y último elemento del entablamento, con los mútulos, y rematando, en los frentes, por los frontones, con las acróteras para colocar figuras decorativas y tímpano decorado.

JÓNICOS: Se desarrolla en las costas jónicas e islas del mar Egeo. Más elegante y lujoso que el dórico con su rígida proporcionalidad.
Tiene una columna más esbelta, pero a diferencia de la dórica, ésta si tiene basa de dos tipos: el de Asia Menor, formada por un toro y varias escocias, y la ática, formada por dos toros y una o varias escocias intermedias entre dos filetes; el fuste, más esbelto, presenta mayor número de acanaladuras, que no presentan arista viva, y capitel, formado por dos volutas, cojinete y ábaco, ornamentados con ovas y flechas. El entablamento es menos alto; el arquitrabe con tres bandas lisas en resalte, que se denominan platabandas; friso, que a veces falta, decorado con relieves y cornisa, con dentículos y decoración de flecha y ovas.

CORINTIO: Aparece a fines de siglo V a. C. No constituye un orden de arquitectura, sino que es una variante del jónico, cuya principal diferencia era el capitel y en la mayor riqueza en la ornamentación. Hay dos tipos de capiteles: uno, formado por una serie de ocho hojas de acanto, de las que surge un segundo orden de hojas acuáticas, sobre las que descansa un ábaco cuadrado extremadamente fino, y otro, formado por dos series de hojas de acanto, superpuestas, de las que surgen ocho caulículos que forman dos volutas convergentes en cada ángulo y otras más pequeñas en los centros, sobre los que se colocan palmetas. descansando sobre ellos el ábaco ornamentado.

















EL TEMPLO
El templo griego está destinado exclusivamente a alojar la estatua de la divinidad. No está destinado a la congregación de fieles, por lo tanto, es de reducidas proporciones. Consta de una sala rectangular (naos o cella) donde está la imagen, un pórtico (pronaos) y, a veces una cámara en la parte posterior (opistogomos).

Hay distintos tipos de templos según el número de columnas colocadas al frente:  será tetrásilo (4), exástilo (6), octásilo (8) o decástio (10). En los lados mayores, el número de columnas suele ser igual al doble más uno del número de columnas colocadas al frente.
Si solo tiene pórtico en un frente, se llamará próstilo; si en los dos, anfipróstilo. Cuando está rodeado de columnas exentas, períptero; si son dos filas, díptero; cuando las columnas están adosadas en lods lados mayores, pseudoperíptero; circular con columnas, monóptero; careciendo de columnas, äptero. Sin cubierta, hípetro.

PERÍODO ARCAICO
En el período arcaico se distinguen dos órdenes fundamentales en la arquitectura griega: el dórico y el jónico.
TEMPLOS DÓRICOS: Se extienden por el Peloponeso, Creta, Tesalia, Sicilia e Italia meridional.
El templo primitivo, (siglos VII y VI a. C.) es de ladrillo y madera, que va siendo sustituida paulatinamente por la piedra que hereda sus formas. Ejemplo típico es el templo de Hera en Olimpia.
En la primera mitad del siglo V a.C. el templo dórico adquiere ya unas formas físicas, y cuyos ejemplos característicos son el templo de Poseidón, en Paestum, análogo y contemporáneo al templo de Zeus, en Olimpia, construido hacia 460 por Libón de Elea con la cella dividida en tres naves por dos series de columnas, y que cobijaba la famosa estatua criselefantina de Zeus, obra de Fidias.
Recreación templo de Zeus

Restos templo De Hera en Olimplia
TEMPLOS JÓNICOS: Se extienden por las costas jónicas del Asia Menor e islas del mar Egeo. Los Son ejemplares de los primeros tiempos los de Neandria, con columnas con capitel eolio, y los de Larisa y Lesbos, y el Tesoro de Sifnos, en Delfos, con friso con relieves y cariátides al frente, que sustituyen a las columnas.
Al siglo VI a.C. corresponden templos de proporciones gigantescas que se elevan en Jonia; son el de Artemision, de Éfeso (obra de Chersifonte de Creta y Metágenes), el Heraion de Samos y el Didymeion de Mileto, dípteros, cuyas colosales dimensiones imposibilitan la cubierta, siendo por tanto, híptero, salvo el edículo central, en la naos, que cobijaba la estatua de la divinidad.

PERÍODO CLÁSICO
CONSTRUCCIONES EN LA ACRÓPOLIS ATENIENSE: Los estilos dórico y jónico, que se desarrollaron independientemente y en zonas geográficas bien delimitadas, alcanzan sus mejores realizaciones en el siglo V a.C. con la hegemonía ateniense. Durante el esplendor de Atenas, su acrópolis se llena de los edificios más bellos del arte griego. Junto al Parthenón, obra maestra del dórico, se alzan las mejores obras del estilo jónico, como el Erecteion o el pequeño templo de Atenea Niké.

EL PARTHENÓN
Comenzado en el 447 a.C y terminado hacia el 437 a.C. Sus arquitectos fueron Ictinos y Callicrates. Es un templo dórico, octástilo, períptero, con cella precedida de un pórtico exástilo y dividida en la naos propiamente dicha, donde se hallaba la estatua de oro y marfil Atenea (diosa patrona de Atenas), obra de Fidias, en teoría con columnas en torno, y al fondo el opistodomos o sala de las vírgenes, que da nombre el templo.
Construido con mármol extraído del monte Pentélico, colocados sin argamasa alguna, reforzados a veces por grapas de metal. El Parthenón es un ejemplo de la maestría que alcanzaron los arquitectos griegos en la construcción de templos; en él, para efectos visuales, ni los entablamentos ni el basamento son rectos, sino ligeramente convexos; los intercolumnios no mantienen siempre las mismas distancias ni las columnas son todas de las mimas dimensiones, sino que las de los ángulos son más gruesas.
La decoración escultórica se extendía por frontones, metopas y por inspiración jónica, en e friso corrido en el exterior de la cella.





















LOS PROPILEOS
Es el edificio más original de la arquitectura dórica del siglo V a.C. Construido entre 437 y 432 por el arquitecto Mnesicles, consta de dos  pórticos unidos, dórico el exterior y jónico en el interior, con seis columnas por cada lado, comprendiendo el plan dos grandes alas, flanqueando el pórtico orienta y otras dos pequeñas el occidental, que no llegaron a ejecutarse. Una de las alas mayores se destinó a Pinacoteca.









TEMPLO DE ATENEA NIKÉ
Pequeño templo tetrástilo de proporciones elevadas, magnífico ejemplar del orden jónico. Construido por Callicrates, dedicado a la Victoria Aptera ateniense.











EL ERETEION
Obra maestra del jónico. Por la complejidad lo hace una excepción entre los templos griegos. Construido entre 420 y 407 a.C. por el arquitecto Filocles teniendo en cuenta el fuerte desnivel del terreno. Dedicado a tres divinidades (Atenea, Poseidón y Erecteo) en su lado oriental hay un pórtico exástilo, núcleo principal al que se añaden, al norte, un pórtico tetrástilo, núcleo principal, y al sur, la célebre tribuna de las Cariátides. Junto a él estaba el Pandroseaum, donde estaban los olivos sagrados.










EL TESERION
En la parte baja de la Acrópolis, dedicado a Hefaistos. Contemporáneo del Parthenón, pero de otros arquitectos. Dórico, exástilo y períptero, con friso corrido en la pronaos y opistodomo.

OTRAS CONSTRUCCIONES FUERA DE ATENAS: A fines de siglo aparecen las primeras manifestaciones de corintio en el templo de Bssae y el tholos de Delfos, con diez columnas corintias adosadas a la pares interior, colocadas sobre un alto zócalo de calcárea negra. Pertenecen a este estilo el tholos de Epidauro y el monumento corágico de Lisícrates, en Atenas, obra del siglo IV a. C. Fuera de Atenas, tienen una importancia capital los numerosos edificios que se construyeron en los principales santuarios, como los de Olimpia, Delfos, Eleusis, Epidauro y Delos.

CONSTRUCCIONES CIVILES
El teatro griego aprovecha las condiciones naturales del terreno, acomodando las gradas para el público en la pendiente de una colina, y entorno a la orchestra, circular para las evoluciones del coro, y al fondo, la escena con su proskenión, y la skená propiamente dicha, con decoración arquitectónica fija, como en los teatro de Epidauro, Dionisios y Megalópolis.
Quedan vestigios de otras construcciones para reuniones, como el Telesterion, de Eleusis, formado por una sala cuadrada con gradas solo en tres lados, y en cuarto, tribuna de la que parten series de columnas divergentes que sostienen la cubierta.

PERÍODO HELENÍSTICO
Aquí el centro arte griego se desplaza hacia las nuevas capitales del helenismo. La conquista de Oriente modifica el espíritu griego, se tiende hacia las concepciones grandiosas, al colosalismo en las proporciones, al lujo ornamental. El orden dórico se va abandonando por su extremada severidad. Se emplea en ocasiones el capitel corintio con entablamento dórico. Aun el propio capitel corintio se enriquece colocando en los ángulos de figuras animales. Se adopta tipos orientales para ornamentar, como el capitel palmiforme. En la cubierta se emplea en algunas ocasiones (edificios octogonales y circulares) la bóveda.

Entre los grandes templos construidos se destacan: el de Zeus, al pie dela acrópolis ateniense, de más de cien metros de longitud, comenzado en el siglo II a.C. y que no habrá de terminarse hasta tiempos de Adriano. En Jonia se emprende asimismo la construcción de grandes templos, como el Didymeion, extremadamente decorado.
Pero, son quizás los conjuntos urbanístico lo más interesantes. Concebidas en grandes proporciones, se erige las grandes ciudades helenísticas con un plan preestablecido, con tipos de casa que luego adoptarán por Roma; grandes plazas rodeadas por pórticos con columnas, en unos casos para esparcimiento, y en otros para el comercio. Algunas ciudades helenísticas se distinguían por sus monumentos: Pérgamo, por sus palacios y santuarios, entre los que destacaban el gran Altar de Zeus, con pórtico jónico tetrástilo en la parte superior y el gran podium, con la Gigantomaquia en la parte inferior; y Alejandría por su gran torre del faro a la entrada del puerto, erigida en 280 y conocida por sus múltiples descripciones y reproducciones en monedas.
Recreación Altar de Zeus en Pérgamo




Fuentes: Historia del Arte 11a edición. José María de Azcarate
               http://apuntesdehistoriauniversal.blogspot.com.uy/2012/12/sir-arthur-evans-y-el-palacio-de-cnosos.html
               Imágenes de Google
               https://www.youtube.com/watch?v=4XJd88cTRsU


miércoles, 17 de mayo de 2017

Sistema de Flotas y Galeones y Sistema de Puerto único

 COMERCIO ENTRE ESPAÑA Y AMÉRICA

Para poder controlar mejor todos los productos y en especial el oro y demás metales preciosos salidos de América, la Corona española necesitó emplear sistemas que le permitieran llevar adelante dicho control.
Para evitar que los piratas y corsarios atacaran los barcos mercantes españoles que iban y venían de América, la Corona decidió crear el SISTEMA DE FLOTAS Y GALEONES. Mediante este sistema, todos los barcos mercantes debían navegar en convoy (grupo de barcos) bajo la protección de barcos de guerra. Desde 1564 este sistema se organizó en dos grandes convoy:

La flota: estaba formada por varios barcos mercantes (con algunos cañones) que estaban custodiados por dos galeones fuertemente armados. Estas barcos salían una vez al año de Sevilla (entre abril y mayo) con destino a Veracruz, en el Virreinato de Nueva España (México).
Los galeones: Sistema de varios navíos mercantes y una armada de galeones. Una vez al año, entre julio y agosto, estas embarcaciones partían de Sevilla hacia Portobelo (con escala en Cartagena de Indias, Colombia), donde se realizaba una importante feria a la que acudían los comerciantes limeños para comprar los productos españoles (vino, finos textiles y otros). Luego, estos comerciantes trasladaban por tierra los productos adquiridos hasta Panamá, embarcándolos hacia el puerto del Callao (Perú) y de ahí los distribuían por todo el virreinato peruano. Desde allí, también partía a lomo de burro hacia el Río de la Plata, encareciendo los productos, que llegaban en mal estado, hasta un 600%

El complemento de este sistema de flotas y galeones, es el SISTEMA DE PUERTO ÚNICO, ya que los convoys solamente podían salir de los puertos españoles autorizados de Sevilla y más tarde de Cádiz. Partían entre una o dos veces al año, y estos barcos sólo tenían la autorización de recalar en tres puertos habilitados, el puerto de Veracruz en México, el de Portobelo en Panamá, y el de Cartagena en Colombia.
Después de realizado el comercio, las distintas flotas se reunían en La Habana y regresaban España bajo la protección de las naves de guerra (galeones).
El sistema de flotas y galeones, y los puertos únicos, hacían que todo el comercio fuera extremadamente lento y complicado. Esta forma de comercialización favorecía notablemente a los mercaderes españoles y a los puertos que estaban autorizados, pues al controlar la cantidad y calidad de los productos podían fijar también los precios, que algunas veces eran de 300 a 400% mayores que en España. Esta situación era, obviamente, contraria a los intereses de los comerciantes de las colonias, porque además de los precios inflados debían pagar a la Corona una serie de impuestos, entre ellos el de avería.
Esta situación alertó a los comerciantes ingleses, portugueses y holandeses que trataban de entrar al lucrativo mercado americano.
Por más que la Corona española trató de prevenir la acción de los piratas y corsarios, la realidad hacía que fuera muy difícil poder detenerlos.
A todo esto hay que sumar el Contrabando (ir en contra del Bando Real) especialmente en zonas fronterizas del imperio español y el portugués, tal es el caso del Río de la Plata, agravado porque la producción española era insuficiente para abastecer a la población americana, teniendo muchas veces que comprar al extranjero productos ya manufacturados, los que debían pagar en oro, por lo que así se perjudicaba la economía mercantilista de España, al no poder retener los metales preciosos.

DATOS: Piratas y corsarios
Los piratas eran aventureros que asaltaban los puertos y embarcaciones españolas en América buscando joyas y metales preciosos. Cuando los reyes europeos  estaban en guerra, solían recurrir a los piratas para hostilizar a la armada enemiga y les concedía un permiso para asaltar a los barcos enemigos con la condición de que le entregaran la mitad del botín. Este contrato entre un rey y los piratas se llamaba «patente de corso», y el pirata que lo aceptaba, corsario. Entre los siglos XVI y XVII, Inglaterra, Francia y Holanda atacaron flotas y puertos españoles y se apoderaron del tesoro americano a través de sus corsarios.


Fuentes: Libro Pensar la Historia de 2do Año
             kapipedia.com
             Imágenes de Google

viernes, 12 de mayo de 2017

TRABAJOS DE 1er AÑO 2017

TRABAJOS DE PRIMER AÑO 2017

INTERPRETAMOS LA 
PREHISTORIA



jueves, 11 de mayo de 2017

TRABAJOS DE 3er AÑO 2017


TRABAJOS DE TERCER AÑO

HISTORIAS SOBRE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL
2017






lunes, 1 de mayo de 2017

Arte del Renacimiento

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
Ya hemos repasado las características del Renacimiento, ahora nos concentraremos en el arte de esta época.
Se trata de la recuperación del arte grecolatino con el estudio de las proporciones y movimientos de los cuerpos en el espacio. Se intenta emular a la Antigüedad para perfeccionar las obras artísticas del Renacimiento.
El Hombre es tomado como centro de todas las cosas, al que se le muestra como un ser bello, digno de ser admirado, hecho por el cual se lo representa preferentemente desnudo.
Los temas tratados  se refieren a la religión, mitología, formas clásicas, y a exaltar la naturaleza, la que se convierte en el eje de observación del mundo junto con el hombre.  Se busca el máximo realismo en la representación.
Los artistas miraron hacia atrás y aprovecharon las enseñanzas del arte clásico y al hacerlo, tuvieron conciencia de estar inaugurando una nueva época, de que habían roto decididamente con el pasado inmediato y de que siguiendo los modelos antiguos, estaban rescatando el arte de la imparable decadencia en la que se había visto sumido durante los siglos medievales.
Se incorporan nuevas técnicas y medios pictóricos: la pintura al óleo, la tela como soporte, los esbozos preparatorios (posibles gracias a la técnica de la perspectiva, y a la mejor calidad del papel y de los medios de escritura), etc
Hasta entrado el siglo XV la palabra “artista” era usada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor.  Pero los artistas como Ghiberti durante el siglo XV y XVI se emanciparon de la programática teológica dándole al concepto “artista” su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social. Los artistas empiezan a firmar sus obras.

La invención del retrato era un reflejo de la condición social del personaje (como era entendido en la Edad Media) y era un reflejo del individualismo de la sociedad renacentista.
perspectiva:-Arquitectura: Filipo Brunelleschi.-Pintura: Masaccio



-Introducción de la  PERSPECTIVA
Se trata de la disminución del volumen y precisión de las formas y contornos de acuerdo con la distancia al primer plano, mediante la introducción de elementos arquitectónicos clásicos.
Principios de la perspectiva



• Es el intento de plasmar la realidad tal y como es.
• Los autores que introdujeron la perspectiva en el arte fueron:

En las pinturas del Renacimiento se observa un detallado estudio del cuerpo humano, resaltando su anatomía y proporción, y la aparición del escorzos (figuras dispuestas perpendicularmente al observador).
La perspectiva se manifiesta en la representación en un plano de la profundidad, que consiste en la reducción progresiva de los objetos a medida que se alejan del ojo del espectador.
De este modo se produce la ilusión de lejanía espacial con puntos de fuga.
Punto de fuga
Observemos un ejemplo con una obra emblemática de Leonardo da Vinci, "La última cena".








Obra de Leonardo da Vinci (1495-1497) 





       Observemos las diferencias con la obra de Soriguerla en el siglo XIII.


En las pinturas se observan paisajes, temas religiosos y elementos arquitectónicos, así como también una creciente importancia de los retratos.
Capilla Sixtina
Miguel Ángel
Tema religiosos

"El pecado original"
Miguel Ángel
Empleo de la naturaleza
                                                                                           
"Julio II"
Rafael
Ejemplo de retrato
Es muy común la utilización de la técnica del claroscuro que consiste en definir los contornos a través de los contrastes entre las zonas iluminadas y las sombreadas, y también  la técnica del sfumato, que proporciona a las  pinturas un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, y le da un aspecto de vaguedad y lejanía, haciendo evidente el efecto que la distancia y el ambiente tiene en la percepción de los objetos. El inventor de esta técnica fue Leonardo da Vinci, y un ejemplo clásico es la pintura considerada más famosa de la historia, la Mona Lisa (o Gioconda) y su misteriosa sonrisa.
Haz click en la imagen y verás los detalles del sfumato

Las técnicas empleadas son: pintura al fresco, que consiste en aplicar los pigmentos  minerales adecuados, simplemente disueltos en agua, sobre un muro previamente preparado con mortero de cal cuando aún está fresco, de ahí el nombre de la técnica. También está la pintura al óleo, en el que se aplican colores disueltos en aceites secantes sobre una superficie para poder pintar, contrastando con la técnica de antaño que utilizaba pintura al temple, que mezclaba los pigmentos con yema de huevo, generando una mezcla fina, resistente y de muy rápido secado.



Las esculturas alcanzan plena independencia respecto a los edificios arquitectónicos, a diferencia del arte medieval.
Se exalta el cuerpo humano con un gran interés en el estudio anatómico, con el objetivo de alcanzar la belleza y equilibrio aplicando las proporciones estéticas adecuadas.
Además las figuras adquieren cierto movimiento, mediante el empleo de líneas curvas.
El David
Miguel Ángel


Predominan las líneas curvas que hacían volver a la tradición griega y se usan esquemas geométricos simples. Hay una tendencia al monumentalismo (gusto por las obras de grandes dimensiones y de concepción laboriosa)
Se aplican las leyes de la perspectiva para dotar a las obras de una mayor profundidad y una apariencia parecida a la real.
La pietá
Miguel Ángel















Se vuelven a realizar los monumentos ecuestres, prácticamente desaparecidos desde los romanos.
Los temas representados combinan la influencia de la cultura grecolatina con las imágenes religiosas cristianas.
Los materiales utilizados mayormente son mármol, bronce y madera.
Entre los máximos escultores renacentistas italianos encontramos a Ghiberti, Donatello, Verrochio, Miguel Ángel y Cellini.




La arquitectura del renacimiento se inspira mas en su antecedente romano que en el griego, seguramente por su proximidad y monumentalidad.
De los griegos se toma el cánon estético de los órdenes arquitectónicos (forma y diseño particular de las columnas) dórico, jónico y corintio.


Construcción de un arco
De los romanos tomarán el arco de medio punto, bóveda de cañón y cúpulas.  
Arco de medio punto

Distintos tipos de arcos
Los conocimientos alcanzados sobre las leyes de perspectiva hicieron posible obras arquitectónicas simétricas y regulares donde las líneas de perspectiva confluían en un único punto central del que se podía observar todo el edificio simultáneamente.


El urbanismo moderno como intento de racionalización de las ciudades, comenzó con el Renacimiento, aunque en la práctica se realizó únicamente en las plazas.
Venecia

Florencia
Las construcciones más importantes fueron: la iglesia (predominaron de planta de cruz griega y las circulares) y el palacio.  También destacaron la villa (mansión de campo para descansar o dedicarse a la explotación del campo) y la fortaleza (edificaciones con funciones exclusivamente militares) y hasta hospitales.
 

 


Entre los arquitectos más importantes están Brunelleschi, Michelozzo, Alberti, Bramante, Paladio y Miguel Ángel.

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